20世纪，音乐创作开始进入了多元化发展的新时代，新的音乐思维也不断涌现。随着社会价值取向的改变，音乐界也出现了转折时期。这一时期内，各种各样的新型流派层出不穷，他们以反传统反形式为口号，崇尚“前卫”、“先锋”的姿态，形成了多元化音乐格局。表现主义、新古典主义、新浪漫主义等是其中影响较大的几个流派。
表现主义重在突出人的内心紧张、焦虑的情绪，在这种风格当中，音乐没有了调性，增加了更多的不协和和紧张感，突破了调性体系的束缚。
新古典主义乐派仿效18世纪的作曲风格，反对和排斥浪漫主义音乐中强烈的主观性，否定浪漫主义音乐的标题性，也否定夸大的幻想和表现。新古典主义乐派认为，音乐的目的是建立起自身的秩序，主张“艺术之上”的立场，追求音乐表达上的中立、客观、超然，主张创作应该回归“古典”，提倡发展“纯音乐”，试图摆脱与文学、诗歌、绘画等艺术领域的联系。
主张回归传统调性的新浪漫主义乐派强调音乐的旋律调性，和起辅助作用的传统的和声基础，使用调性语言，注重内在的情感表达，采用现代音乐语言和表现技法，并经常引用19世纪浪漫主义音乐的作曲素材。
勋伯格：十二音体系的创造者
国籍：美国
生卒年：1874-1951
全名：阿诺尔德·勋伯格
职业：作曲家、音乐教育家
代表作品：《升华之夜》、《D大调弦乐四重奏》、《古雷之歌》、《佩里亚斯与梅丽桑德》、《小夜曲》、《乐队变奏曲》、《钢琴协奏曲》、《拿破仑颂》、《一个华沙的幸存者》
生平简介：
1874年9月13日，勋伯格出生于维也纳的商人家庭里。自小家境贫穷，也没有条件接受正规的音乐教育。但是勋伯格对音乐的热爱，却使得他自学成才。8岁的时候，他就开始摸索小提琴和大提琴，之后又广泛地参加乐队实践，甚至自己创作写曲。闲暇无事的时候，他也会常常跑去看歌剧、欣赏音乐会，不放过一切可以学习音乐的机会。
到16岁的时候，家庭环境更加贫困，他便在一家银行谋了份差事以贴补家用。机缘巧合之下，他认识了当时的作曲家亚历山大·策姆林斯基，并跟着学习了几个月。从此，他迈入了音乐殿堂，开始了音乐创作生涯。1897年，他创作出了第一部代表作品《D大调弦乐四重奏》。1901年，勋伯格来到柏林，辗转之后又到斯特恩音乐学院教授音乐。
这段时期，勋伯格的创作风格充满了浪漫主义，并吸收了瓦格纳的一些创作技法，这个时期依旧遵循着调性的原则，代表作品有《升华之夜》、《第一弦乐四重奏》等。
之后，勋伯格回到了维也纳，1910年在音乐学院任职，继续他的音乐教育工作，培养出了大批的优秀人才。他和学生们的创作风格自成一派，逐渐为世人所熟知，被人称为“新维也纳乐派”。一战之后，勋伯格在奥利地军队服役。1918年，他组织成立了一个作品演奏协会，演出的曲目都是具有20世纪新风格的音乐，并举办了许多的音乐理论讲座，在世界范围内的乐坛都有很大的影响力。
这一时期，他个人的独特创作风格已经在作品中反映出来了，音乐作品中也出现了表现主义的特征，并渐渐向无调性的方向发展。《空中花园》、《幸运之手》等作品就是这个时期无调性风格的代表作品。
1925年，勋伯格开始在柏林艺术学院工作，因为工作相对稳定，经济上有了保障，他的创作也比较集中，完成了《乐队变奏曲》等一系列作品，摸索出了“十二音体系”的创作方法。
1933年，德国**分子执掌政权，国内的政治局势变得空前紧张，勋伯格便到了美国，先后在多所高校任教，之后加入美国籍，直到1961年在洛杉矶逝世。晚年的作品当中，偶尔也会加入调性的创作手法，甚至是调性和无调性的结合。
主要成就：
勋伯格的作品中既有19世纪浪漫主义音乐的特色，又有创新性的序列主义，是浪漫主义音乐向现代方向过渡的桥梁人物。他有着开拓进取的创新精神，创立了“十二音列”技法，对新时期无调性音乐的发展起到了重要的作用。经过他的教育和熏陶，大批的年轻音乐家走上了发展现代音乐，表现主义音乐的道路，他的影响力对西方音乐的发展是巨大的。
《升华之夜》是勋伯格早期的代表作，作品根据戴默尔的抒情诗创作而成。这部作品融合了瓦格纳和勃拉姆斯的风格，是勋伯格早期浪漫主义风格的代表作。乐曲是单章奏鸣曲式，表现了爱的升华的主题，可以分成5个乐段和场景。第一个主题描写了行走在月色之下的两个人，月色明朗，漫步于林中的两人亲切私语。第二主题描述了女子向男人讲述自己悲伤过去的情景。为了表现出两人对话的场景，勋伯格运用了复调手法，使人清晰地感受到了两人的行走步伐和交流的对话，简洁明了，清晰凝练。
第四部分是全曲的高潮部分，乐曲转到了D大调，和之前的曲调形成了鲜明的对比。体现了男主人公的高尚品格。最后，乐曲通过美妙的音响效果展现了美丽的月色。
斯特拉文斯基：音乐界的毕加索
国籍：美国
生卒年：1882-1971
全名：伊戈尔·费奥多罗维奇·斯特拉文斯基
职业：作曲家
代表作品：《春之祭》、《火鸟》、《士兵的故事》、《烟火》、《彼得鲁什卡》、《俄狄浦斯王》、《诗篇交响曲》、《乌木协奏曲》、《浪子的历程》
生平简介：
斯特拉文斯基出生于圣彼得堡附近的奥拉宁堡。他的父亲是圣彼得堡帝国剧院的男低音歌唱家，在父亲的影响下很早就显露出音乐方面的才华和天赋，9岁的时候就开始学习钢琴。1903年成为里姆斯基·科萨科夫的学生，开始了作曲生涯。
1906年，斯特拉文斯基大学毕业，与表妹凯瑟琳·诺申科结了婚。1909年，创作了大型管弦乐作品《烟火》。这部作品在圣彼得堡演出，获得了俄罗斯舞蹈团经理佳吉列夫的欣赏。1910年，应邀为芭蕾舞剧《火鸟》作曲，一举成名，并在以后创作了大量的芭蕾舞剧。
1913年5月29日晚，《春之祭》在蒙田大街的香榭丽舍剧院首演，表演者是德吉列夫领导的俄罗斯芭蕾舞团。这部作品带有彻底的反传统性，结果引发了观众的极度不满，在剧场内导致了空前的骚动，观众们吵声鼎沸，几乎要用拳头招呼斯特拉文斯基了。在此情形之下，20岁的斯特拉文斯基情急之下只能仓惶跳窗落逃。从此斯特拉文斯基便被认为是当时最为激进的先锋派作曲家之一。
1915年，一战爆发。斯特拉文斯基所有的私人财产都被没收，在当时经济条件的限制之下，乐器方面十分简约。他移居到瑞士，并将音乐创作转向了新古典主义。虽然瑞士是战争中立国，但是也面临着资源匮乏的难题，斯特拉文斯基甚至找不到合适的表演者来表演他的作品。他的多数音乐出版商大多都是战争中的敌对国家，远在俄国的庄园不能为他提供经济支持，他的生活变得相当拮据。迫于生计，他建立了一个“袖珍剧院”团队，只创作和演出一些不需要太多人的小型剧目，在乡村里作巡回演出。这一时期诞生的作品以《士兵的故事》为代表，在瑞士洛桑首演并获得巨大成功。
战后，斯特拉文斯基创作了芭蕾音乐《浦契涅拉》，作品转向了温静、古雅的风格。风格的急剧转变令巴黎的观众又一次大感意外。
1920年代，经过一系列探索，斯特拉文斯基创立了新古典主义，喊出了“回到巴赫”的口号。他的新古典音乐风格追求客观、冷漠、理智，他认为对艺术控制、限制得越多，研究得越多，它就越自由。之后，他的芭蕾舞剧的创作逐渐减少，而将创作的重心集中到歌剧及室内乐上。这段时间里，他广泛地同许多艺术大师往来，其中画家毕加索对他的创作影响最为突出，他也因此被称为“音乐界的毕加索”。斯特拉汶斯基在进行新古典主义创作的同时，也对爵士乐产生了兴趣。
1938年，希特勒侵占了波兰，二战爆发，而这一年斯特拉文斯基的女儿、妻子和老母亲也相继去世，孑然一身的斯特拉文斯基便去了美国。1945年，加入美国国籍之后，受到当地文化的影响，他的乐曲中爵士乐的风格日渐浓郁。在这里，斯特拉文斯基有了创作大型作品的条件，于是便重新开始创作大型作品。在完成了歌剧《浪子的历程》之后，斯特拉文斯基又将兴趣转向了序列主义。1950年代初，他开始运用十二音体系进行创作。1956年，开始在作品中运用整体序列主义，形成了个人的创作风格。
1962年，阔别故土48年的斯特拉文斯基重新回到俄国。当时的苏联政府邀请他在莫斯科指挥了两场音乐会。在此期间，他出版了大量的访谈录、回忆录。
1970年，年迈的斯特拉文斯基出于对健康因素的考虑，回到了美国纽约。1971年4月6日去世，死后被葬于威尼斯。
主要成就：
斯特拉文斯基是西方现代音乐的主要代表人物之一，是新古典主义运动的主要倡导者。由于战争和政治上的原因，他长期生活在国外，经历复杂，作品风格多变。他的创作风格经历过原始主义、新古典主义以及序列主义三个不同的音乐流派，因为他一生的创作风格、音乐语言变化多样，如同艺术界的变色龙，被人们誉为是“音乐界中的毕加索”。有人对他的评价是形式大过内容，但是他提出了新的音乐概念，尤其是要求节奏的变化，不平衡的节拍，独特的配器方法等对20世纪的音乐界都产生了很大的影响。
他的作品《春之祭》展现了原始状态下的野蛮与直率，是直接干脆地对19世纪欧洲文化传统的挑衅。虽说这部作品已作为现代派经典永远载入了史册，但创作的起初源自作曲家一闪而过的灵感。斯特拉文斯基就曾经形象地说，他看到的是一个庄严的原始崇拜仪式。年老的长者们围成圈席地而坐，当中有被当作贡献给春神祭品的一位少女在不停地狂舞，舞到死亡。他就是要通过紧张、刺激、激烈的芭蕾舞剧向人们展示这幅史前部落的祭祀图景。
《春之祭》以组曲形式写成，分为两个部分。第一部分表现的是对大地的崇拜。序奏的民歌有着古老的韵味，古朴悠扬，略带神秘，表现了万物萌生之意。低音区的弦乐猛烈急促，似乎反映了春天的生命力。在这一部分里，作曲家还展现了俄国的民俗风情。第二部分叫“祭献”，采用了带有印象派朦胧色彩的夜曲形式，用管弦乐音响效果渲染出黑夜的氛围。音乐的节奏短小，不断地重复、变化，复制出原始人类僵直的舞蹈形态。乐器之间产生强烈的对话，斯特拉文斯基打破了传统观念，以节奏为主导，旋律、和声等都跟随着频繁转换的节奏展开。
《春之祭》展现了原始、古朴、野性的魅力，演绎出远古的神秘感。这部作品的价值和意义，主要在音乐语言上，在不协和音，音色以及节奏多样的运用上，营造出喧闹、沸腾、热烈、刺激的效果，对音响的要求更加突出，需要定位精准，音域宽阔，声部清晰。这部作品在艺术史上起到了里程碑的意义。
《士兵的故事》取材于民间的传说，讲述了士兵与恶魔之间斗争的故事。受当时条件的限制，乐队编制只有七人，但节奏非常丰富跳跃。
作品的新颖独特之处在于使用一种微妙复杂的作曲技术表现手法来表现旋律音调，时刻变换的重音、不协调的和声得到了一种苦涩嘲讽的艺术效果，和恶魔最终得胜的结果相一致。民间传说被一幕幕连接成为一部悲剧哲理舞蹈剧，辛辣嘲讽的表现手法和凄凉黯然的效果，反映出了当时社会客观背景下的心态。《士兵的故事》呈现了新古典主义风格和为避免重音突出而发明的“双重节奏”，都成为斯特拉文斯基独特的创作特征。
斯特拉文斯基的成名作《火鸟》取材于俄罗斯的传说，集中了俄罗斯民族的音乐风格，运用了浪漫主义音乐的表现手法，将俄罗斯的民间音乐素材和华丽的舞曲结合，充分发挥出管弦乐华丽的音色和生动变换的音乐色彩。分明的节奏特色以及娴熟的配器技巧都让这部舞剧成为芭蕾作品中的经典，足可以与柴可夫斯基的《天鹅湖》相媲美。后来，斯特拉文斯基将《火鸟》的音乐编成了组曲，又成为音乐会上经久不衰的曲目。
《火鸟》的剧情讲的是一位王子为了解救被囚禁的公主，而与魔王进行搏斗，却不敌被捉。这时候，他曾经放生的一只火鸟飞回来帮助他战胜了魔王。故事的结局是王子和公主幸福地生活在一起。
《火鸟》的音乐当中，作曲家展现出了精巧的创意和构思。为了表现真实的现实世界场景，斯特拉文斯基将具有俄罗斯民族风格的音乐来描绘戏剧发生的地点，采取了自然的音阶。而表现魔幻世界的时候，则采用了半音音阶的旋律。在当时，很少有作曲家这样大胆的尝试。但是这种尝试却创造出超越现实的梦幻效果，营造出迷离的意境。在整部舞剧当中，音乐并没有沦为伴奏，而是升级为揭示意境的一种思维。
