今天，我们对于“芭蕾”这个名称并不陌生，在我国，它一直被称为“芭蕾舞剧”，但是，我们对芭蕾的历史和特色，对著名芭蕾舞剧的情节、表演和音乐的了解却非常贫乏。
芭蕾是法文Ballet的音译，是欧洲古典舞剧的统称。它最早源于拉丁语Ballo，也就是舞蹈或当众表演舞蹈的意思，并没有剧场演出的含义。芭蕾作为一门舞台艺术，孕育于文艺复兴时期意大利盛大的宴饮娱乐活动，17世纪形成于法国宫廷。这种宫廷芭蕾实际上是在一个统一的主题下，具有松散结构的舞蹈、歌唱、音乐、朗诵和戏剧的综合表演，由专业的舞蹈教师设计，国王和贵族担任演员，女角也由男子扮演，表演场地在皇宫大厅中央，观众则围绕在大厅周围观看，演员戴皮制面具标志不同角色，故又称假面芭蕾。
这种早期的芭蕾，表演的场地是大厅，观众的位置则是随意地围绕在四周，直到17世纪70年代，芭蕾演出开始在黎塞留大主教宫廷剧场进行，演员的表演场地有一定的规范，观众的视角固定到一个方位，这就使得芭蕾的表演必须进行一些改变，尤其是在舞蹈技巧和审美观点上。
从技巧上，芭蕾规定了五个脚的站位和七个手位，这些规定对芭蕾舞的规范起到了非常大的作用，而且一直沿用至今。
芭蕾脚尖的技术也逐渐趋于完美，最大的特点是脚尖直立的舞姿，当然还包括诸如旋转、托举一类的技巧。最早的舞鞋还没有现代芭蕾舞鞋顶端的“硬物”，所以，演员用脚尖站立的时候不可能太长。但当舞鞋的改进让表演者能够长时间用脚尖站立，甚至可以做出旋转、跳跃等高难度动作的时候，脚尖站立就成了芭蕾舞区别于其他舞蹈的最大特色。
从美学的角度讲，则是对芭蕾本身意义的两种认识分歧。
一种观点认为芭蕾就是一种唯美的舞蹈，它带给人的就是感官的愉悦，而不承担诸如内容表现、情感传递等方面的责任。他们认为芭蕾就是“几个人在一起跳舞的几何图案组合”。这种理论虽然不太有利于芭蕾的发展，但是，对芭蕾技巧的提高却是很有帮助的。
另一种观点，则注重芭蕾的情节内容，强调芭蕾是一种“戏剧性的舞蹈”，它通过舞蹈语言，表现的是和话剧、歌剧同样的情节内容。
这两种观点其实并不矛盾。在现代芭蕾中，两种观点是并重的，有的编导偏重于无情节芭蕾，注重技巧的表现；有的编导则致力于创作戏剧性或有情节的芭蕾。
19世纪以来的浪漫主义思潮，对芭蕾舞的发展起到了很大的推动作用，到19世纪后期，芭蕾的技巧和结构形式都达到高度规范化和程式化，但从另一方面也制约了芭蕾的发展。
20世纪以来的现代艺术思潮，对芭蕾的这些规范化和程式化有很大的突破，许多新的理念和技巧的探索及创新，使古老的芭蕾艺术又焕发了青春。
早期的芭蕾音乐，是采用一些现有的乐曲，进行简单的编串，谈不上什么特色。后来，编导在专门请人编写剧本的同时，也请作曲家专门为舞剧编曲，许多伟大的作曲家如拉威尔、柴可夫斯基、里姆斯基－科萨科夫、罗西尼、斯特拉文斯基等，都为芭蕾舞剧谱写过音乐，其中许多已经成为世界音乐宝库中的精品，比如柴可夫斯基的《天鹅湖》和《胡桃夹子》、列·德立勃的《葛蓓莉娅》、里姆斯基－科萨科夫的《天方夜谭》、斯特拉文斯基的《火鸟》、普罗科菲耶夫的《罗密欧与朱丽叶》等。
